मिडिल-क्लास म्यूज़ीशियन की मौत
(thewalrus.ca)- स्ट्रीमिंग प्लेटफ़ॉर्म के उभार और फ़िज़िकल रिकॉर्ड मार्केट के पतन के कारण मिडिल-क्लास म्यूज़ीशियन के लिए आजीविका चलाना मुश्किल हो गया है
- म्यूज़ीशियन ने लेबल के साथ कॉन्ट्रैक्ट, टूर, फ़्रीलांस काम, सरकारी अनुदान आदि कई तरीकों से कमाई करने की कोशिश की, लेकिन अस्थिरता और कम आय से जूझते रहे
- बड़े लेबल और स्ट्रीमिंग सेवाएँ ही मुनाफ़े का अधिकांश हिस्सा ले जाती हैं, जबकि अधिकांश म्यूज़ीशियन को सालाना कुछ हज़ार डॉलर से भी कम आय होती है
- बढ़ती टूर लागत, महंगाई, AI म्यूज़िक जनरेशन जैसे बाहरी कारकों ने स्थिति को और खराब किया है, जिससे मानसिक तनाव और मिडिल-क्लास म्यूज़ीशियन के ग़ायब होने की प्रक्रिया तेज़ हुई है
- समाधान के रूप में आर्टिस्ट-नेतृत्व वाला वैल्यू रीइवैल्युएशन, सरकार का निरंतर निवेश और नए रेवेन्यू मॉडल पर चर्चा हो रही है
मिडिल-क्लास म्यूज़ीशियन का उभार और पतन
Rollie Pemberton ने किशोरावस्था में रैपर के रूप में काम शुरू किया और इंटरनेट के ज़रिये अपनी रचनाएँ लोगों तक पहुँचाईं। बाद में उन्होंने Cadence Weapon नाम से काम किया और Pitchfork जैसे संगीत मीडिया में आलोचक और म्यूज़ीशियन दोनों रूपों में करियर बनाया।
2006 में Upper Class Recordings के साथ 360 डील साइन करने पर उन्हें एल्बम रिलीज़, टूर और आर्टिस्ट के रूप में आगे बढ़ने के मौके मिले, लेकिन आर्टिस्ट रेवेन्यू-शेयरिंग संरचना की असमानता के कारण अधिकांश कमाई लेबल ले गया और वे मुश्किल से अपना गुज़ारा कर पाए। 2006 से 2015 के बीच उन्होंने लेबल के लिए 2.5 लाख डॉलर से अधिक की कमाई कराई, लेकिन खुद उन्हें 10,000 डॉलर के एडवांस के अलावा लगभग कोई वास्तविक आय नहीं मिली।
लेबल संरचना और स्ट्रीमिंग का उभार
20वीं सदी के उत्तरार्ध में, CD बूम और फ़िज़िकल मीडिया बिक्री के कारण म्यूज़ीशियन के लिए ऊपरी-मध्यवर्गीय जीवन संभव था, लेकिन Napster जैसे फ़ाइल-शेयरिंग और स्ट्रीमिंग के दौर में प्रवेश के साथ इंडस्ट्री की संरचना तेज़ी से बदल गई। Sony, Universal, Warner जैसे बड़े लेबल बाज़ार के 70% हिस्से पर क़ब्ज़ा रखते हैं और अपने कंटेंट कैटलॉग तथा Spotify में हिस्सेदारी जैसी संपत्तियों से भारी मुनाफ़ा कमाते हैं।
दूसरी ओर, स्ट्रीमिंग प्लेटफ़ॉर्म का रेवेन्यू डिस्ट्रीब्यूशन बेहद कम है, इतना कि Spotify पर दस लाख से ज़्यादा स्ट्रीम होने पर भी आमदनी कुछ हज़ार डॉलर से कम ही रहती है। बड़े लेबल कुछ स्टार आर्टिस्ट को छोड़कर अधिकांश नए और स्थापित म्यूज़ीशियन को लगातार समर्थन नहीं देते।
स्ट्रीमिंग और इंडिपेंडेंट आर्टिस्ट की हक़ीक़त
स्ट्रीमिंग सेवाओं के आगमन ने संगीत निर्माण और वितरण के डेमोक्रेटाइज़ेशन जैसे फ़ायदे दिए। अब कोई भी सीधे अपना संगीत अपलोड कर सकता है और SNS के ज़रिये अपना फ़ैनबेस बढ़ा सकता है, लेकिन रोज़ाना हज़ारों नए गाने जुड़ने से प्रतिस्पर्धा बेहद तेज़ हो गई है। नतीजतन अधिकांश म्यूज़ीशियन के लिए बेसिक जीविका लायक कमाई भी करना मुश्किल हो गया है।
SOCAN की प्रतिनिधि Jennifer Brown आदि के अनुसार, आर्टिस्ट धन और शोहरत से ज़्यादा परिवार चलाने और सम्मानजनक आजीविका चाहते हैं, और दस लाख स्ट्रीम पर केवल लगभग 600 डॉलर मिलने से वे गहरी निराशा महसूस करते हैं।
लाइव परफ़ॉर्मेंस मार्केट की गिरावट और टूर की हक़ीक़त
COVID-19 के बाद बचे हुए लाइव वेन्यू भी कम हो गए, और टूर की लागत भी महंगाई, बीमा प्रीमियम, वीज़ा फ़ीस में बढ़ोतरी के कारण बहुत बढ़ गई। टूर अब कमाई का ज़रिया नहीं रहा, बल्कि घाटे का सौदा बनता जा रहा है।
उदाहरण के लिए, Tokyo Police Club ने अपने आख़िरी टूर में महामारी, बढ़ती प्रतिस्पर्धा, महंगाई और अमेरिकी वीज़ा फ़ीस में तेज़ उछाल के कारण पहले जैसी सतत लाभप्रदता बनाए रखना कठिन पाया।
म्यूज़ीशियन का मानसिक स्वास्थ्य संकट
आर्थिक असुरक्षा, कम जॉब सिक्योरिटी, अत्यधिक मेहनत और पर्याप्त नतीजे न मिलने से पैदा होने वाली निराशा ने कई म्यूज़ीशियन में चिंता, अवसाद और आत्महत्या के विचार जैसी मानसिक स्वास्थ्य आपातस्थिति पैदा कर दी है। Revelios के “Soundcheck” सर्वे के मुताबिक, 86% लोगों ने मानसिक स्वास्थ्य समस्याओं का अनुभव किया और 94% ने लगातार अस्थिरता महसूस की।
अनुदान और निजी पूंजी की सीमाएँ
म्यूज़ीशियन सरकार के अनुदान, कॉरपोरेट स्पॉन्सरशिप, चैरिटी फ़ंड और निजी आयोजनों जैसे कई रास्तों से सीधी मदद पाते हैं। लेकिन सरकारी बजट कटौती और निजी पूंजी की सीमाओं के कारण इससे पर्याप्त स्थिरता नहीं मिलती। वास्तविक समाधान के लिए सरकार का निरंतर निवेश और नए रेवेन्यू मॉडल ज़रूरी हैं।
संगीत का मूल्य और संरचनात्मक समस्या
संगीत सामाजिक रूप से एक आवश्यक सांस्कृतिक संपत्ति है, फिर भी डिजिटलीकरण और स्ट्रीमिंग के कारण उसने अपना मौद्रिक मूल्य खो दिया है। आम लोग उम्मीद करते हैं कि संगीत हर समय और हर जगह मुफ़्त उपलब्ध हो, लेकिन यही बात रचनाकारों के अस्तित्व से जुड़ी एक संरचनात्मक असमानता को जन्म देती है।
आर्टिस्ट-नेतृत्व वाला मूल्य पुनर्निर्माण
म्यूज़ीशियन Torquil Campbell ने डायरेक्ट सेल्स, कस्टमाइज़्ड गीत निर्माण जैसे तरीकों से अपने संगीत का मूल्य फिर से तय करने के उदाहरण साझा किए। उन्होंने Bandcamp जैसे प्लेटफ़ॉर्म से हटकर MP3 की डायरेक्ट बिक्री, फ़ैन्स के साथ सीधा संवाद बढ़ाने और स्वतंत्र कमाई के रास्तों की अहमियत पर ज़ोर दिया। हालांकि इस मॉडल की भी पर्याप्त फ़ैनबेस बनने से पहले अपनी सीमाएँ हैं।
संस्थागत बदलाव की ज़रूरत
Taylor Swift जैसे प्रभावशाली आर्टिस्ट के कॉन्ट्रैक्ट उदाहरण और बिज़नेस ऑपरेटरों से नैतिक मानकों का पालन कराने की मांग के साथ आर्टिस्ट एकजुटता और सामूहिक कार्रवाई की संभावना सामने रखी गई है। यह तर्क भी दिया गया है कि स्ट्रीमिंग प्लेटफ़ॉर्म को ऐसा ढांचा अपनाना चाहिए जिसमें किसी श्रोता की सदस्यता फ़ीस उसी आर्टिस्ट तक पहुँचे जिसे वह वास्तव में सुनता है।
SOCAN, Six Shooter और इंडस्ट्री के अन्य लोगों ने कला में सरकारी निवेश बढ़ाने और इन्फ्रास्ट्रक्चर निर्माण की अहमियत पर ज़ोर दिया, लेकिन निर्णायक समाधान के तौर पर उन्होंने संगीत के मूल्य को सामाजिक स्तर पर फिर से पहचानने और संरचनात्मक बदलाव लाने की आवश्यकता बताई।
निष्कर्ष और भविष्य की दिशा
बड़े लेबल और स्ट्रीमिंग प्लेटफ़ॉर्म पर केंद्रित मौजूदा व्यवस्था मिडिल-क्लास म्यूज़ीशियन के अस्तित्व को ख़तरे में डाल रही है, और इसके दुष्प्रभाव पूरे समाज में फैल रहे हैं। बुनियादी समाधान के लिए आर्टिस्ट की अपनी रचनात्मक प्रतिरोध क्षमता, सामूहिक कार्रवाई, मूल्य की पुनर्परिभाषा के साथ सामाजिक जागरूकता और नीतिगत समर्थन दोनों ज़रूरी हैं। Rollie Pemberton का #MyMerch अभियान, इंडिपेंडेंट म्यूज़ीशियन-केंद्रित छोटे शो और स्वायत्त करियर डिज़ाइन जैसे विकल्पों पर चर्चा हो रही है।
Lido Pimienta जैसे म्यूज़ीशियन की तरह, जो केवल साधारण आजीविका की उम्मीद रखते हैं, यह वह समय है जब मिडिल-क्लास कलाकारों के ग़ायब होने के व्यापक सामाजिक प्रभाव को गंभीरता से समझना चाहिए। संगीत और कला के अस्तित्व के लिए फ़ैन भागीदारी, सामाजिक समर्थन और आर्टिस्ट द्वारा अपने मूल्य के पुनर्निर्माण की दिशा में प्रयासों पर ज़ोर दिया जा रहा है।
1 टिप्पणियां
Hacker News राय
किसी ने अपना अनुभव साझा किया कि उन्हें किसी भी अन्य जवाब की तुलना में सबसे ज़्यादा बार यह जवाब सुनने को मिला: “सरकार को universal basic income लागू करना चाहिए।” ऐसे विचार को सिर्फ “अव्यावहारिक” कहकर खारिज कर देने से हमारी बुनियादी समस्या, यानी व्यापक आर्थिक असमानता, कभी हल नहीं होगी। हक़ीक़त यह है कि धीरे-धीरे अधिक से अधिक लोगों के लिए ठीक-ठाक जीवनयापन लायक नौकरी के अवसर भी गायब हो रहे हैं। यह विश्वास जताया गया कि basic income, wealth tax, बड़ी कंपनियों का विभाजन जैसे व्यापक समाधान, हर उद्योग में सूक्ष्म समायोजन करने से कहीं बेहतर हैं
basic income, wealth tax, बड़ी कंपनियों के विभाजन जैसे व्यापक और संरचनात्मक समाधानों की ज़रूरत पर सहमति जताई गई, लेकिन यह भी कहा गया कि basic income पर कई बार प्रयोग हो चुके हैं और उनके स्पष्ट सकारात्मक या नकारात्मक प्रभाव बहुत कम दिखे हैं। इससे नए musicians भी पैदा नहीं हुए। प्रशासनिक रूप से यह सरल है, इसलिए लागत बचत के लिहाज़ से इसका लाभ है। wealth tax से लोगों को assets बेचने पड़ सकते हैं, जिससे inflation बढ़ सकता है, और उसका असर musicians की संख्या घटने की दिशा में जा सकता है। असल में, देश-दर-देश जो सिस्टम काम कर रहे हैं, उन्हीं की नकल करनी चाहिए। उदाहरण के तौर पर Japan में कम living cost, परिपक्व education industry और अपेक्षाकृत कम वेतन संरचना के कारण musicians ज़्यादा हैं। खासकर Japan में महिलाओं के लिए job options सीमित होने से idol के रूप में debut करना भी आम बात है
मैं एक amateur के रूप में खेल, संगीत, कला जैसी कई गतिविधियाँ काफ़ी ऊँचे स्तर पर करता हूँ, लेकिन एक salaried employee के रूप में बहुत टैक्स भी देता हूँ। ऐसे में मुझे यह समझाने की ज़रूरत है कि दूसरों को अपनी प्रतिभा के लिए पूरी तरह समर्थन क्यों मिलना चाहिए। मेरा मानना है कि ‘जो सचमुच बहुत मेहनत करके भी टिक नहीं पाते’ और ‘जो केवल जुनून में कला में उतरते हैं’—इन दोनों को गड्डमड्ड नहीं करना चाहिए। अगर मुझसे लगातार और ज़्यादा माँगा जाएगा, तो मेरा योगदान करने का मन नहीं रहेगा। वैसे भी ultra-rich और high-income लोग तरह-तरह से अपना हिस्सा देने से बच रहे हैं
इस समस्या की जड़ सामाजिक और व्यक्तिगत preferences में है। musicians के बीच income gap क्यों है? क्योंकि लोग कुछ खास musicians और गानों को बहुत अधिक पसंद करते हैं। basic income या tax policy से entertainment में median और top tier के बीच का अंतर व्यवहारिक रूप से कम नहीं होगा। housing shortage का मसला भी ऐसा ही है; आख़िरकार वह लोगों की जगह और location preferences से पैदा होता है। असली कारण का पहले निदान होना चाहिए, तभी वास्तविक समाधान निकल सकता है
यह किसी एक industry की विफलता का मामला नहीं, बल्कि ऐसी संरचनात्मक समस्या है जिसमें पूरा system नीचे से ऊपर की ओर value खींचने के लिए डिज़ाइन किया गया है
समस्या की शुरुआत खुद आर्थिक नियमों की अन्यायपूर्ण प्रकृति से होती है। इसकी तुलना Monopoly खेल से की गई, जिसमें कुछ rounds बीतने के बाद आप देर से शामिल होते हैं। बेहद ऊँची housing cost भी इसका एक उदाहरण है। साथ ही, जिन्होंने मेहनत से बहुत पैसा कमाया है, वे अपने चुनावों और दूसरों के जीवन पर सचेत या अचेत रूप से उस पैसे को ‘हथियार’ की तरह इस्तेमाल करते हैं, जिससे एक और तरह की असमानता पैदा होती है। शुरुआत इस बात को मानने से होनी चाहिए कि system टूट चुका है
engineering background वाले high-income engineers और band में काम करने का अनुभव साझा किया गया। संगीत इतना पसंद था कि full-time करने पर विचार किया था, लेकिन चार अंकों की performance fee मिलने पर भी घंटों के हिसाब से कमाई minimum wage से कम ही पड़ती थी। manager रखना, travel cost आदि जोड़ने पर gross income के मुकाबले वास्तविक कमाई और घट जाती थी। weekdays में performances ही नहीं होतीं, इसलिए जीवनयापन संभव नहीं। अगर किसी क्षेत्र में ऐसे restaurants वगैरह बढ़ें जहाँ हफ़्ते भर live performance हो सके, तो musicians weekdays में भी काम कर पाएँगे और full-time career वास्तविकता बन सकता है, लेकिन अभी ऐसी बुनियादी संरचना भी नहीं है। जब weekday schedule performances से भरा ही नहीं जा सकता, तो talented musicians के पास दूसरे रास्ते पर जाने के अलावा विकल्प नहीं बचता
Nashville Broadway में हफ़्ते भर performance करने पर भी मेहनत के मुकाबले तनख़्वाह बेहद ख़राब रहती है। काम अक्सर किसी खास genre तक सीमित होता है, और एक दिन में कई बार perform करने वाली थका देने वाली ज़िंदगी बन जाती है। musician के रूप में टिके रहने के लिए church band, wedding band, session work, teaching, instrument tech जैसे कई side gigs साथ करने पड़ते हैं, और उनमें से आधे से ज़्यादा तो सिर्फ किस्मत पर निर्भर होते हैं। यह बेहद कठिन हक़ीक़त है, और इसे गहराई से महसूस किया जाता है
हाल के समय में pandemic के बाद weekday night performances काफ़ी बढ़ी हैं। recovery period के दौरान यह trend तेज़ हुआ और अभी तक गायब नहीं हुआ, इसलिए इसे एक सकारात्मक बदलाव माना गया
आख़िरकार यह निष्कर्ष निकला कि ‘दुनिया संगीत को पर्याप्त मूल्य नहीं देती।’ ज़्यादातर musicians के लिए संगीत आखिरकार अपने लिए बनाया गया एक तरह का ‘play’ बनकर रह जाता है। इसे पेशा बनाना हो तो बहुत बड़े sacrifices करने पड़ते हैं। मौजूदा दुनिया creativity को पर्याप्त मूल्य नहीं देती। इस स्थिति को बदलना चाहें भी, तो हक़ीक़त निराशाजनक लगती है
लेख में बताए गए Rollie Pemberton के मामले और label की 360 deal संरचना की चर्चा हुई। Pemberton की कमाई tour या records से नहीं, बल्कि prize money और grants से ज़्यादा थी, इसलिए contract structure के कारण Upper Class Records को असामान्य रूप से ज़्यादा फ़ायदा मिला—यह एक अनोखा case था। ज़्यादातर musicians पर ऐसी deal लागू नहीं होती। सच तो यह है कि labels भी mid-tier artists पर अक्सर घाटा उठाते हैं। media, startup और pharma जैसी ज़्यादातर industries में भी ‘superstar’ और बहुत कम सफल cases ही कुल मुनाफ़े को तय करते हैं। revenue structure ऐसा है कि ‘हारने वाले नहीं, बल्कि जीतने वाले ही पूरे system को चलाते हैं।’ mid-level contracts भी कई बार loss leader जैसी स्थिति में होते हैं; ढाँचा सफल अल्पसंख्या पर ध्यान केंद्रित करके बेहतर अवसर खोजने का है। David Lowery का संबंधित कॉलम सुझाया गया
superstar economy theory (Rosen, Sherwin. "The Economics of Superstars") का ज़िक्र किया गया। इसमें बताया गया कि व्यक्तिगत स्तर के बहुत छोटे फ़र्क भी बहुत बड़े income gap बना देते हैं। artists के कम वेतन की संरचना के पीछे दो वजहें हैं: जीवन का बहुत कुछ छोड़ देने को तैयार प्रतिभाओं की ‘अधिक आपूर्ति’, और promotion व marketing के ज़रिए ‘कमाई योग्य दुर्लभता’ को मजबूत करना। इस संरचना में label ज़्यादा हिस्सा ले जाए, यह अस्वाभाविक नहीं है। artist को आय में वास्तविक उछाल देखने के लिए एक निश्चित पैमाने से ऊपर सफल होना ही पड़ता है
दूसरी ओर, यह बात आसानी से नज़रअंदाज़ हो जाती है कि ज़्यादातर bands या artists कितनी बार असफल होते हैं, और उस प्रक्रिया में कितना पैसा और मेहनत लगती है। labels अपनी market power और पूँजी के दम पर payola जैसी अपारदर्शी प्रथाओं से industry पर पकड़ बनाए रखते हैं। system सुधारने के लिए transparency मददगार हो सकती है, लेकिन यही ‘opacity’ मौजूदा system को टिकाए रखने की शर्त भी है। अगर लोगों को पता चल जाए कि सफल होने पर भी बहुत कम पैसा बचता है, तो ज़्यादातर लोग इतना जोखिम उठाना ही नहीं चाहेंगे। सफलता का कोई फ़ॉर्मूला नहीं है; आख़िरकार यह industry ‘biased coin toss’ जैसी ही लगती है
किसी ने कहा कि लेख में orchestra या session players की बजाय ज़्यादातर rapper examples पर ध्यान देना अफ़सोसजनक है। असल में recorded music आने के बाद consumers ने mid-level musicians की बजाय top-tier recordings चुनना शुरू कर दिया। इसलिए थोड़ी-सी local fame वाले ‘middle-class musician’ बन पाना बहुत कठिन हो गया। अंततः local market, niche निर्माण, street performance जैसी राहें बुरी नहीं लगतीं
ज़्यादातर musicians आज ‘middle class’ में आते हैं, जबकि एक ओर कुछ superstars हैं और दूसरी ओर बहुत बड़ी संख्या में गरीब artists। $20~100 जैसी छोटी performance income, और बड़े stage पर भी 8 घंटे तैयारी करके सिर्फ $200 कमाने जैसे थकाऊ अनुभव साझा किए गए। पहले musicians हर तरह के events में ज़रूरी होते थे, लेकिन अब मोबाइल फ़ोन से संगीत चला देने वाले दौर में उनकी जगह ले ली गई है
छोटे venues (100~200 लोगों) में बजाने वाले bands मंच पर सिर्फ शुद्ध जुनून से आते हैं। शायद इसी वजह से वे और भी दिलचस्प लगते हैं। यह जानते हुए कि performance income कम हो गई है, merch वगैरह के ज़रिए अतिरिक्त support देने का मन होता है। इसे ‘कम दाम में प्रभावशाली अनुभव’ की तरह भी देखा गया, जहाँ miss हो जाने पर भी बड़ा नुकसान नहीं। Norway में बड़े venues ज़्यादा नहीं हैं, इसलिए ऐसी संस्कृति को और सकारात्मक नज़र से देखा गया
John Philip Sousa ने recorded music के नकारात्मक प्रभाव को बहुत सटीक ढंग से पहले ही भाँप लिया था—यह बात कही गई
अगर कोई कहे कि open source music यानी street performance एक झटके में खत्म हो गई, तब भी यह रेखांकित किया गया कि street performance से होने वाली कमाई, उन open source projects से बेहतर हो सकती है जिन्हें लाखों लोग इस्तेमाल करते हैं
speaker पर music चलाना और वास्तविक live performance देखना, दोनों बिल्कुल अलग अनुभव हैं—ऐसी राय दी गई
इस प्रवृत्ति की आलोचना की गई कि musicians की पृष्ठभूमि अब धीरे-धीरे और अधिक समृद्ध होती जा रही है। आर्थिक सहारे के बिना कला में उतरना बहुत बड़ा जोखिम है। यह एहसास साझा किया गया कि working class या low-income musicians का दौर ढल रहा है
UK में पुराने unemployment benefits system, यानी golden age of the dole, ने lower और middle-class artists को कला को विकसित करने का समय और अवसर दिया था—ऐसा उदाहरण साझा किया गया। संबंधित लेख
यह भी कहा गया कि पहले science में भी यही स्थिति थी; अमीर patronage या परिवार की आर्थिक ताकत के बिना research करना मुश्किल था
यह इंगित किया गया कि लगभग सभी creative industries किसी न किसी रूप में ‘silver spoon’ आधारित हैं। luxury fashion, record labels, art, literature—हर जगह ऊपर तक पहुँचने के लिए महँगी internships और महानगरों में रहने का बोझ उठाना पड़ता है। आजकल तो social media followers की संख्या भी cutoff बन गई है
musician का पेशा actor से बहुत मिलता-जुलता बताया गया। network, धन और family connection सबसे महत्वपूर्ण तत्व हैं। उदाहरण के तौर पर—अगर माता-पिता actors हों, तो बच्चों की casting की शर्त पर काम मिलना; या अमीर माता-पिता बच्चों की casting की शर्त पर फ़िल्म में निवेश करना—जैसे Nicholas Cage, Jeff Bridges आदि के मामले। tech जगत के अमीर लोग भी ऐसा ही करते हैं। actor हो या musician, पूँजी और संपर्क ही निर्णायक हैं
यही पैटर्न basketball जैसे sports में भी दिखता है। महँगे camps और networks से गुज़रे बच्चों को बेहतर मौके पहले मिलते हैं। Bronny James (LeBron James के बेटे) जैसे उदाहरणों के ज़रिए कहा गया कि ‘silver spoon phenomenon’ sports तक पहुँच गया है। अफ़सोस यही है कि sports भी ‘equal opportunity’ का क्षेत्र नहीं रह गया
यह सवाल उठाया गया कि कितने musicians का आर्थिक रूप से self-sufficient होना ‘उचित संख्या’ मानी जाए। streaming ने उनकी संख्या घटाई है, लेकिन यह भी स्वीकार किया गया कि recorded music ने ही पहले बाज़ार को संकुचित किया था। क्या संगीत को फिर से पेशे की बजाय hobby art के रूप में देखना चाहिए—यह एक बुनियादी सवाल है। जैसे landscape painting करके कोई जीविका नहीं चलाता, क्या संगीत की मूल जगह भी वैसी ही थी—इस पर विचार किया गया
जो लोग प्रेम से रचना तो करते हैं, लेकिन monetization का रास्ता नहीं ढूँढ पाते, उनके लिए उस कला में देने योग्य समय ही सीमित हो जाता है। नतीजतन शायद सर्वश्रेष्ठ कृतियाँ और सर्वश्रेष्ठ रचनात्मक अनुभव भी सामने न आएँ। कल्पना कीजिए कि engineering जैसे पेशेवर क्षेत्र भी संगीत की तरह जीवनयापन में कठिन ‘hobby’ तक सिमट जाएँ—तब क्या होगा? वास्तविक दुनिया में इसका असर कौशल, innovation और field practice पर गंभीर होगा
यह रेखांकित किया गया कि music और art का विकास full-time professionals और amateurs, दोनों के संतुलन से होता है। कुछ हिस्से ऐसे हैं जो केवल professional performers कर सकते हैं—जैसे orchestra, professional teaching आदि। वहीं amateurs, मौलिक और प्रयोगात्मक संगीत, performance market और instruments जैसे क्षेत्रों में professional scene को सहारा देते हैं। संगीत के अधिकांश हिस्सों को ठीक से चलने के लिए दोनों की ज़रूरत होती है
दूसरी ओर, streaming या YouTuber जैसी नई industries में भी यह पूछना चाहिए कि ‘क्या इस काम से जीवनयापन करना ज़रूरी है?’ इस बात पर संदेह जताया गया कि industrial structure, मज़बूत intellectual property rights या कठोर regulation ने सचमुच कला की गुणवत्ता बढ़ाई भी है या नहीं; कहीं उन्होंने सिर्फ opportunity cost ही तो नहीं बढ़ाई
music consumers के नज़रिए से अहम सवाल यह है कि वे कितनी विविधता वाला संगीत चाहते हैं। अगर professional musicians कम हो जाएँ, तो बाज़ार में उपलब्ध विविध products और services भी घट जाएँगी
streaming industry structure का सिर्फ एक चरण है; वास्तव में recording, broadcasting और तकनीकी प्रगति के बाद से ‘winner-takes-all’ की प्रवृत्ति बहुत तेज़ हुई है, जिससे ज़्यादातर artists के लिए जीवनयापन मुश्किल हुआ। आगे AI के कारण यह ढाँचा फिर सैकड़ों साल पुराने patron-centered model की ओर लौट सकता है। पहले भी artists अमीर नहीं बनते थे, लेकिन कम-से-कम उन्हें सृजन में डूबने का समय मिल जाता था
यह भी ध्यान दिलाया गया कि pandemic के बाद लगभग हर गतिविधि की लागत बहुत बढ़ गई है। Ever Given के Suez Canal हादसे जैसी supply chain collapse घटनाएँ भी इसके संयुक्त कारणों में हैं। pandemic और supply-chain समस्याएँ खत्म हो जाने के बाद भी कीमतें सामान्य क्यों नहीं हुईं—सिर्फ corporate greed से आगे की व्याख्या जानने की उत्सुकता जताई गई
यह परिकल्पना सामने रखी गई कि कीमतें आसानी से नीचे नहीं आतीं, क्योंकि inflation का यही सामान्य पैटर्न है; साथ ही pandemic के दौरान consumption habits और lifestyles पूरी तरह बदल गईं। work from home, streaming, delivery ordering जैसी चीज़ें पहले मामूली लगती थीं, लेकिन pandemic के दौरान व्यापक हो गईं और उसके बाद market structure का पुराने रूप में लौटना मुश्किल हो गया
यह भी कहा गया कि pandemic के दौरान दुनिया भर की सरकारों ने money supply को ज़रूरत से ज़्यादा बढ़ा दिया, इसलिए मौजूदा ऊँची महँगाई आसानी से कम नहीं हो रही
entry barrier का बहुत कम हो जाना भी एक दूसरी समस्या बन गया है। पहले लोगों को skill विकसित करके record deal लेनी पड़ती थी, लेकिन अब कोई Logic जैसे program डाउनलोड करके automation और correction के सहारे music बना सकता है और सीधे streaming services पर upload कर सकता है। इसी वजह से MonoNeon जैसे वास्तव में प्रतिभाशाली musicians के पास उल्टा ज़्यादा ticket power आ जाती है—यह एक विडंबना है
एक व्यक्ति ने बताया कि वे music producer के रूप में काम करते थे, लेकिन 5 साल पहले data science की ओर career बदल लिया। music industry में सफल होने के लिए skill और network होने पर भी आख़िरकार ‘luck’ का महत्व निर्णायक रहता है। और हाल के वर्षों में उस ‘luck window’ का आकार और भी छोटा हो गया है