Wacław Szpakowski की ज्यामितीय लाइन आर्ट (2017)

 (theparisreview.org)
1 पॉइंट द्वारा GN⁺ 2024-12-01 | 1 टिप्पणियां | WhatsApp पर शेयर करें
  • Wacław Szpakowski ने लगभग 1900 के आसपास, 17 साल की उम्र में शुरू किए गए स्केचों को जीवन भर औपचारिक रूप दिया और उन्हें एक निरंतर रेखा से बनी भूलभुलैया-जैसी ज्यामितीय अमूर्त ड्रॉइंग में विकसित किया
  • यह काम कागज़ और पेंसिल से किए जा सकने वाले तात्कालिक प्रयोगों से शुरू हुआ, लेकिन अंतिम रचनाएँ अत्यंत सटीक एकरूपता और उच्च जटिलता लिए हुए हैं, जिससे उनकी निर्माण-प्रक्रिया खुद ही देखने-समझने का विषय बन जाती है
  • उनकी कृतियाँ उनके निधन के 5 साल बाद, 1978 में ही सार्वजनिक हुईं, और न्यूयॉर्क की Miguel Abreu Gallery में लगी Grounding Vision: Waclaw Szpakowski अमेरिका में आयोजित Szpakowski की सबसे बड़ी प्रदर्शनी है
  • इस प्रदर्शनी में 26 ड्रॉइंग और मूल नोटबुक्स को समकालीन कलाकारों के कामों के साथ रखा गया है, ताकि दोहराव, प्रणाली, और रेखा की गति जैसे प्रश्नों की तुलना लगभग एक सदी बाद की कृतियों से की जा सके
  • Szpakowski के लिए यह काम सजावट नहीं, बल्कि आंखों से ट्रेस करके पढ़े जाने वाला रेखात्मक विचार था, और यह प्रदर्शनी उन्हें अमूर्त, वैचारिक, और outsider art की बहसों के भीतर लाती है

एक ही रेखा से जुड़ा जीवन-भर का प्रोजेक्ट

  • Wacław Szpakowski ने 85 वर्ष की आयु में 「Rhythmical Lines」 लिखकर अपने जीवन-भर के काम को व्यवस्थित किया
  • यह प्रोजेक्ट भूलभुलैया-जैसी ज्यामितीय अमूर्त ड्रॉइंग की एक श्रृंखला है, जिनमें हर रचना एकल निरंतर रेखा से बनी है
  • उन्होंने लगभग 1900 में, 17 वर्ष की आयु में ये ड्रॉइंग बनानी शुरू कीं, और शुरुआती स्केचों को धीरे-धीरे औपचारिक रूप देकर और संकलित करते हुए उन्हें अधिक जटिल बनाया
  • 「Rhythmical Lines」 तृतीय पुरुष दृष्टिकोण में लिखी गई थी, और यह उनकी अपनी कलात्मक वैधता को लेकर असुरक्षा भी दिखाती है
  • Szpakowski के लिए ये ड्रॉइंग किसी लैब का परिणाम नहीं थीं, बल्कि अलग-अलग जगहों और संयोगपूर्ण क्षणों में स्वाभाविक रूप से किए गए सीधी रेखा के प्रयोग थे, जिनके लिए केवल कागज़ और पेंसिल चाहिए थे

तात्कालिकता और सटीकता के बीच की निर्माण-प्रक्रिया

  • विचार का बीज अनौपचारिक नोट्स से आया, लेकिन पूरी हुई ड्रॉइंग तात्कालिकता या यादृच्छिकता से बहुत दूर, उच्च कौशल का प्रदर्शन करती हैं
  • इन कृतियों में समान रेखा-प्रसंस्करण, साफ़ निष्पादन, और उच्च जटिलता एक साथ मौजूद हैं
  • कुछ मिटाए गए निशान ही निर्माण-प्रक्रिया का अनुमान लगाने का लगभग एकमात्र संकेत देते हैं
    • एक ड्रॉइंग में मोटी अंतिम रेखा के दोनों ओर दो रेखाएँ दिखाई देती हैं
    • इससे संकेत मिलता है कि Szpakowski ने हर डिज़ाइन के पथ को तीन बार ट्रेस किया होगा

1978 में सार्वजनिक प्रस्तुति और न्यूयॉर्क प्रदर्शनी

  • Szpakowski की कृतियाँ उनके निधन के 5 वर्ष बाद, 1978 में ही दर्शकों के सामने आईं
  • इसके बाद वे कई प्रदर्शनों में दिखीं, लेकिन मुख्यतः उनके गृहदेश पोलैंड में, और वे अब भी कम जानी जाती हैं तथा आसानी से गलत समझी जा सकती हैं
  • न्यूयॉर्क की Miguel Abreu Gallery की Grounding Vision: Waclaw Szpakowski अमेरिका में आयोजित Szpakowski के काम की सबसे बड़ी प्रदर्शनी है
  • प्रदर्शनी में Szpakowski की 26 ड्रॉइंग और मूल नोटबुक्स को समकालीन कलाकारों की कृतियों के साथ रखा गया है
  • इसे क्यूरेटर Masha Chlenova और Anya Komar के सहयोग से तैयार किया गया, और यह लगभग एक सदी के अंतराल पर प्रतिक्रिया, आलोचना और प्रत्युत्तर के आदान-प्रदान वाला एक प्रयोगात्मक प्रारूप अपनाती है

वास्तुकार, इंजीनियर और वायलिन वादक के रूप में Szpakowski

  • Szpakowski को केवल एक प्रांतीय व्यक्तित्व के रूप में देखना कठिन है; वास्तुकला की शिक्षा लेने के बाद उन्होंने engineer के रूप में काम किया
  • वे violin बजाते थे, और बाद में उन्होंने सोचा कि उनकी ड्रॉइंग को संगीत-लिपि की तरह भी इस्तेमाल किया जा सकता है
  • उनकी नोटबुक्स में वास्तु अवलोकन, प्राकृतिक घटनाओं के आरेख, और उत्साही टिप्पणियाँ साथ-साथ मिलती हैं, जिससे वे 20वीं सदी के Leonardo da Vinci नोट्स जैसी लगती हैं
    • जिन चीज़ों का उन्होंने अवलोकन किया उनमें समुद्री धाराएँ और फ़र के पत्तों जैसी प्राकृतिक घटनाएँ शामिल थीं
  • उन्होंने यह बौद्धिक गतिविधि दोनों विश्वयुद्धों के दौरान भी जारी रखी
    • द्वितीय विश्वयुद्ध के समय वे Home Army के सक्रिय सदस्य थे
    • इसके कारण उन्हें कैद किया गया, और उनके बेटे की मृत्यु हो गई
  • 「Rhythmical Lines」 में वे लिखते हैं कि दो विश्वयुद्धों की तबाही और कठिनाइयों के बीच भी स्केचों को बचाए रखना इस बात का प्रमाण है कि वे अपने रेखात्मक विचारों को कितना महत्व देते थे

सजावट नहीं, बल्कि ट्रेस करके पढ़ी जाने वाली रेखा

  • 21वीं सदी के दर्शक Szpakowski के सूक्ष्म डिज़ाइनों को पहले कंप्यूटर-निर्मित समझ सकते हैं, और जब उन्हें पता चलता है कि वे हाथ से बनाए गए हैं, तो वे निर्माण-तकनीक पर अत्यधिक ध्यान केंद्रित कर सकते हैं
  • Szpakowski ने अपने जीवनकाल में इस बात पर आपत्ति जताई थी कि उनके डिज़ाइनों को सजावट की तरह एक नज़र में खपाया जाए
  • वे प्राचीन यूनानी meander पैटर्न या वस्त्र-पैटर्न जैसी संदर्भ-आधारित व्याख्याओं से भी दूरी रखते थे
  • उनके लिए ये कृतियाँ साधारण सजावट नहीं, बल्कि रेखात्मक विचार थीं
    • उनका मानना था कि “एक बार देख लेना पर्याप्त नहीं है”
    • रेखा को बाएँ से दाएँ ट्रेस करना होगा ताकि उसके आंतरिक आशय तक पहुँचा जा सके
    • यह प्रक्रिया पढ़ने जैसी है

समकालीन कलाकारों के साथ समानांतर प्रस्तुति

  • प्रदर्शनी Szpakowski की अपनी numbering system के अनुसार motifs को समूहित करती है, और 7 समकालीन कलाकारों के कामों को gallery space में अलग-अलग जगहों पर रखती है
  • Florian Pumhösl पहले से Szpakowski को जानते थे, और इस प्रदर्शनी के लिए उन्होंने उनकी ड्रॉइंग का सीधा प्रत्युत्तर देने वाली 5 plaster कृतियाँ बनाईं
    • ये कृतियाँ ऊपर से देखे गए मॉडल जैसी लगती हैं और Szpakowski की वास्तु-शिक्षा की याद दिलाती हैं
    • वे Szpakowski की ड्रॉइंग के प्रवेश और निकास का 3D अध्ययन करती हैं, और उन्हें मानो किसी पठार की ओर चढ़ती-उतरती ramps की तरह बनाती हैं
    • रेखा के भीतर प्रवेश करते ही बिना median strip या rest stop वाली one-way road जैसी गति और तीखे मोड़ उभरते हैं
  • Guy de Cointet की 3 मिनट की फिल्म मोटे अमूर्त आकारों के ऊपर धीरे-धीरे चलती एक रेखा दिखाती है
    • शीर्षक Untitled (7) पढ़ने के बाद पता चलता है कि यह कटा और घुमाया गया घड़ी-मुख है, जिस पर seconds hand धीरे-धीरे अंक 7 को पार कर रही है
  • Hanne Darboven की installation एक वर्ष की तारीखों को एक अनोखे तरीके से चिह्नित करती है
  • Sam Lewitt का काम औपचारिक रूप से Szpakowski के करीब लगता है, लेकिन वह संचार-प्रौद्योगिकी में उपयोग होने वाली heating systems के enlarged models को संदर्भित भी करता है और कार्यात्मक भी है
    • दोनों कलाकार ऐसे रूपों की efficiency में रुचि दिखाते हैं जो अदृश्य शक्तियों से जुड़ सकती है
    • Lewitt का काम समकालीन कला की विशिष्ट आलोचनात्मक दूरी अपनाता है, जिससे Szpakowski का आविष्कार किसी पुराने भोलेपन जैसा दिख सकता है

जिज्ञासा की वस्तु से बहस के क्षेत्र तक

  • कुछ समानांतर रखावटें Szpakowski के समय और वर्तमान के बीच की दूरी को उभारती हैं
  • फिर भी उनके प्रोजेक्ट में तनाव और टिकाऊपन बना रहता है
  • यह प्रदर्शनी Szpakowski को सिर्फ़ एक विचित्र जिज्ञासा के दायरे से निकालकर गंभीर चर्चा के क्षेत्र में ले आती है
  • Masha Chlenova, Szpakowski के काम में अनुगूँज पैदा करने वाले तत्व के रूप में “ultimate nerdiness” का उल्लेख करती हैं, और इस बात की ओर इशारा करती हैं कि उन्होंने बहुत एकाकी ढंग से ऐसी चीज़ खोजी जिस पर किसी और ने सोचा भी नहीं था
  • यह एकांत नकारात्मक अर्थ में भोलेपन का नहीं, बल्कि स्वतंत्रता की अनुभूति का संकेत है, और कलाकार के लिए सृजन करते समय यह महत्वपूर्ण हो सकता है

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1 टिप्पणियां

 
GN⁺ 2024-12-01
Hacker News की राय

  • मुझे ऐसी ज्यामितीय कला सच में बहुत पसंद है। मैं भी https://andrewwulf.com पर जटिल tiling-केंद्रित डिजिटल ज्यामितीय काम बना रहा हूँ
    बिक्री के लिए नहीं, बस दिखाने के लिए है। ज्यामिति और गणित लोगों को काफ़ी आकर्षक लग सकते हैं, लेकिन आजकल NFT के बाहर व्यावसायिक रूप से शायद उतने लोकप्रिय नहीं हैं। दोहराव और variation कला में शक्तिशाली tools हो सकते हैं, और Wacław को और ज़्यादा पहचाना जाना चाहिए

    • काम अच्छे लगे, खासकर गोलाकार grid vortex जैसी चीज़ें सबसे ज़्यादा पसंद आईं
      मैं कुछ चुनना चाहता था, लेकिन किसी एक को देर तक देखने के बाद जब नया काम देखता, तो उसकी नवीनता की वजह से हमेशा नया काम ही बेहतर लगने लगता था, और मैं भी जैसे गोल-गोल घूमने लगता था
      "May Contain Hackers 2022" का graphic design भी याद आया। वह मुझे बहुत पसंद आया था, और https://mch2022.org/#/ पर मिलते-जुलते design generate करने वाला tool भी था: https://mch2022.org/design/
      Tate Modern में देखे गए Bernard Cohen के काम भी याद आए। मेरे लिए वे केवल “अच्छे दिखने वाले geometric patterns” का बटन दबाने से आगे, एक अगले स्तर की उपलब्धि लगे—जहाँ मानो मानव बुद्धि काम कर रही हो, ऐसा order और disorder महसूस होता है
      जिन works का मुझे ठीक-ठीक ध्यान आ रहा है, उनका एक साथ पेज नहीं मिला, लेकिन reference के लिए links हैं:
      https://www.flowersgallery.com/exhibitions/387-bernard-cohen...
      https://www.artnet.com/artists/bernard-cohen/
      यह शायद ज़्यादा comprehensive होगा:
      https://duckduckgo.com/?q=bernard+cohen+works&iax=images&ia=...
    • लगता है HN पर ऐसे शौक वाले कुछ लोग हैं, इसलिए completeness के लिए मैं अपनी ज्यामितीय कला भी जोड़ना चाहूँगा:
      https://omarrr.com/isolation-pixel-series
      यह भी बिक्री के लिए नहीं है
    • शानदार काम है। मेरा एक पसंदीदा, जिसे लोगों को देखना चाहिए, है https://x.com/beesandbombs
    • "Recent" पेज पर मौजूद हर design के लिए टी-शर्ट खरीदने का मन करता है। merch page जोड़ने पर विचार कर सकते हैं
    • अगर आपको programming art explore करना पसंद है, तो allrgb भी मज़ेदार हो सकता है
      इसमें हर RGB value को ठीक एक बार इस्तेमाल करके artwork बनाया जाता है
      उदाहरण: https://allrgb.com/

  • इस लेख और iterated function system का ज़िक्र करने वाली comment की वजह से, इस topic में दो Polish लोगों के बीच दिलचस्प connection बनता है: Wacław Sierpiński—यानी Sierpiński triangle वाले व्यक्ति [1]—और "Wacław Szpakowski"। समय के हिसाब से वे शायद एक-दूसरे से मिले भी हों
    ऐसे connections में एक और दिलचस्प बात यह होती है कि उन दोनों को एक ही माध्यम—जैसे किसी webpage या paper—में साथ mention करने वाली सामग्री खोजी जाए। ऐसा करते-करते Axel Rohlfs की बहुत promising किताब "Art, algorithm and ambiguity. Aesthetic ambiguity with regard to metacognition based on visual semiotics, visual rhetoric and Gestalt Psychology" मिली [2]
    यह तरीका दूसरे fields में भी कभी-कभी काम आता है। अगर कोई researcher किसी field के कुछ कम-ज्ञात facts, names या entities जानता है, तो आम तौर पर संभावना होती है कि वह उस field में काफ़ी सक्षम है, या कम से कम उसने उस पर पर्याप्त समय लगाया है
    [1] https://en.wikipedia.org/wiki/Wac%C5%82aw_Sierpi%C5%84ski
    [2] https://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/8576/1/Rohlfs_Art...

  • अगर इस तरह की चीज़ पसंद आती है, तो Op art नाम के पूरे movement को देखना चाहिए [1]। खासकर Bridget Riley जैसे कलाकार हैं
    मैंने 2003 में Tate में लगी Riley की एक बड़ी exhibition देखी थी, और वह सच में शानदार थी। अंदर जाते ही सामने वाली पहली दीवार पर उस exhibition के लिए खास तौर पर बनाया गया एक विशाल one-off काम था। बहुत चमकदार सफेद दीवार पर काले 3/4 circles काफ़ी खुले grid में लगाए गए थे, और हर circle का gap दीवार के आर-पार और ऊपर-नीचे देखते हुए घूमता हुआ लगता था
    पूरी तरह static black-and-white work होने के बावजूद यह बहुत अनोखा optical illusion था, जो दिमाग को रंग और movement hallucinate करा देता था। 20वीं सदी के music की पढ़ाई में जिन visual artists के बारे में सीखते हैं, उनमें से एक होने की वजह से Bridget Riley के काम से थोड़ा परिचित था, लेकिन उम्मीद नहीं थी कि illusion इतने बड़े scale पर भी इतना अच्छा काम करेगा
    [1] https://en.wikipedia.org/wiki/Op_art

    • Heywood में लगी एक बड़ी retrospective देखी थी। 60s की optical illusion paintings को कुछ घंटों तक देखते रहो तो सच में सिर काफ़ी घूमने लगता है
      मुझे सबसे ज़्यादा उसके बाद के दौर की रंगीन murals पसंद आईं, जैसे Rajastan (2012)। gallery की दीवार पर सीधे paint किए जाने से copyright या artwork ownership के लिहाज से दिलचस्प सवाल खड़े होते हैं
      शायद उनकी team को जहां भी exhibition लगती है, उन्हें फिर से बनाना पड़ता होगा, और उनके नष्ट किए जाने की प्रक्रिया की भी निगरानी करनी पड़ती होगी। Star Trek के transporter error जैसा कुछ हो जाए और “अरे, Rajastan (2012) की दो copies हो गईं” जैसी स्थिति भी कल्पना में आती है
    • Bridget Riley सच में महान कलाकार हैं। मैंने भी वह exhibition देखी थी, और उसी ने मुझे generative art बनाना शुरू करने के लिए प्रेरित किया। Riley ने generative art नहीं किया, लेकिन साफ़ समानताएं हैं
      मुझे हमेशा यह भी मज़ेदार लगा कि उन्हें उस 3D work का परिणाम पसंद नहीं आया, इसलिए बाद के पूरे career में वे flat canvas पर लौट गईं। फिर भी मुझे भी वह काम अद्भुत लगा
      जिनके पास BBC access है, उनके लिए Riley पर अच्छा documentary link: https://www.bbc.co.uk/iplayer/episode/m0011psx/bridget-riley...
    • अभी Buffalo के AKG में एक शानदार exhibition चल रही है(https://buffaloakg.org/art/exhibitions/electric-op)। इसमें Bridget Riley का काम भी शामिल है, और उन्होंने 1990 में AKG में solo exhibition भी की थी

  • बढ़िया। 1649 में Claude Mellan के Face of Christ की याद आती है। इसमें भी एक continuous line इस्तेमाल की गई है, लेकिन उन्होंने उस line को steel पर हाथ से engrave किया था
    https://www.gallery.ca/magazine/your-collection/a-familiar-f...

  • ये works https://en.m.wikipedia.org/wiki/Space-filling_curve की याद दिलाते हैं

    • maths और art का मिलन है, और मैंने भी बिल्कुल यही सोचा था
      मैं हमेशा Hilbert curve से मोहित रहा हूं

  • यह Logo exercises की सोने की खान जैसा लगता है, जिनका लक्ष्य दिए गए चित्र के लिए सबसे छोटा program लिखना होता है। सभी को Kolmogorov complexity के हिसाब से classify भी किया जा सकता है

    • या चित्रों को iterated function system के transformations से approximate भी किया जा सकता है

  • पहली बार देखने पर PCB antenna याद आया। मज़े के लिए असल में इस्तेमाल करें तो radio-frequency characteristics कैसे निकलेंगी, यह जानने की उत्सुकता है

    • laser cutting करें तो क्या होगा? क्या दो टुकड़ों में अलग हो जाएगा :)

  • वाकई हैरतअंगेज़। इन works के बनाए जाने के साल और उस समय की zeitgeist को ध्यान में रखना चाहिए
    उस दौर में ऐसी चीज़ सोचने के लिए अलग तरह की thinking चाहिए रही होगी। शानदार और बेहतरीन काम। इसलिए कलाकार अहम होते हैं। वे icebreaker होते हैं, बाकी लोग पीछे-पीछे आते हैं

    • सही। हमेशा की तरह, बहुसंख्यकों की प्रेरणा अपनी ही निम्न इच्छाओं में जड़ें जमाए होती है

  • जब यह exhibition तैयार हो रही थी, मैं NYC में था, और एक दोस्त ने इस article का ज़िक्र करके जाने को कहा था
    मुझे नहीं लगता कि किसी gallery exhibition से मैंने Wacław के काम जितना गहरा connection महसूस किया है। सिर्फ एक single line से इतने intricate works बनाने में कुछ खास था। यह एक ऐसा serendipitous moment था जिसे मैं जल्द नहीं भूलूंगा

  • pre-digital दौर में discovery और distribution खराब थे, इसलिए प्रतिभाशाली creators दब जाते थे। digital future में भी discovery और distribution खराब होंगे, इसलिए प्रतिभाशाली creators दबे रहेंगे
    शिकायत छोड़ें तो, यहां सामने आया यह काफ़ी दुर्लभ रत्न है
    सोचता हूं कि क्या single-line drawing में non-periodic tiling के counterpart जैसा कुछ होता है